A poesia, desde suas origens, esteve profundamente ligada à música. Antes mesmo de ser registrada na escrita, ela era cantada, acompanhada de instrumentos, marcada pelo compasso e pela cadência. Essa origem musical permanece na estrutura da linguagem poética até hoje, especialmente por meio do ritmo, da sonoridade e das repetições que constroem o significado do poema não apenas pelo que ele diz, mas pelo modo como diz.
Este artigo propõe uma reflexão sobre a musicalidade como dimensão constitutiva da poesia, examinando de que forma ritmo, aliteração, assonância e outros recursos sonoros não apenas embelezam o texto, mas ampliam e, muitas vezes, tensionam o seu sentido. A partir de autores clássicos e contemporâneos, veremos como o som organiza o pensamento poético e age sobre o leitor ou ouvinte de maneira intuitiva, afetiva e, por vezes, inconsciente.
O ritmo é um dos primeiros elementos a se destacar na leitura de um poema. Ele organiza o tempo interno do texto e, ao mesmo tempo, ativa no leitor um tempo corporal — uma respiração, um pulso, uma espera. Paul Valéry dizia que o poema é “um prolongamento da música pelo meio da linguagem”. Isso se confirma quando observamos, por exemplo, a construção métrica dos sonetos de Camões ou de Shakespeare, ou mesmo a fluidez quase oral da poesia de Manoel de Barros, em que o ritmo se confunde com a cadência do pensamento.
Além do ritmo, recursos como aliteração e assonância contribuem para uma experiência sonora mais rica. Em poemas simbolistas, como os de Cruz e Sousa ou Alphonsus de Guimaraens, os sons se tornam quase protagonistas, criando atmosferas sensoriais que envolvem o leitor de modo mais profundo do que qualquer descrição objetiva poderia fazer. A repetição de fonemas, a escolha cuidadosa de vogais e consoantes, a musicalidade interna dos versos formam uma espécie de trilha sonora do texto.
Na poesia contemporânea, mesmo nos poemas de versos livres, nos quais a métrica tradicional não é respeitada, a musicalidade continua a ser um eixo central. Poetas como Ana Cristina Cesar, Paulo Leminski e Arnaldo Antunes exploram a quebra de ritmo, a dissonância e os ruídos como estratégias significativas. O som deixa de ser apenas harmonia e passa a expressar tensão, fragmentação, estranhamento — características da sensibilidade moderna.
A musicalidade poética é também uma forma de resistência ao predomínio da linguagem técnica e objetiva nas sociedades contemporâneas. Ela reintroduz o corpo no texto, recupera a oralidade, cria uma experiência estética que não se encerra no significado das palavras, mas se abre à escuta, à vibração, ao silêncio entre os sons. A palavra poética, por ser sonora, é também carne, respiração, gesto.
A relação entre som e sentido na poesia, portanto, vai muito além da ornamentação. É uma via fundamental para a construção de sentidos múltiplos, ambíguos, muitas vezes inacessíveis à racionalidade linear. A musicalidade permite que a linguagem diga o indizível, que toque o que está além do discurso. Como lembra Octavio Paz, “a poesia é a música do sentido”.
Referências bibliográficas:
PAZ, Octavio. O arco e a lira. São Paulo: Perspectiva, 1972.
VALÉRY, Paul. Degas, dança, desenho. São Paulo: Cosac Naify, 2002.
LOTMAN, Yuri. A estrutura do texto artístico. São Paulo: Perspectiva, 2013.
SEIXO, Maria Alzira. A voz e o sentido: poesia e musicalidade. Lisboa: Dom Quixote, 2005.
CAMPOS, Haroldo de. A arte no horizonte do provável. São Paulo: Perspectiva, 2016.
